Kubismus

Was ist Kubismus?

Er Kubismus Es ist eine künstlerische Manifestation, die 1907 in Frankreich geboren wurde. Diese Bewegung wurde durch die Verwendung neuer Bildtechniken gekennzeichnet, die andere Ansichten der Realität zeigten. Er stach auch durch die Verwendung geometrischer Figuren wie dem Kreis, des Zylinders und des Würfels auf. Der Zweck dieser neuen Technik war es, die in traditionellen Kunst verwendeten Elemente zu ändern.

Kubistische Maler weigerten sich, Werke zu schaffen, in denen die Figuren vollständig definiert waren. Daher sind die Bilder, die die Kubisten - manchmal - schwer zu verstehen haben. Ein Beispiel ist Pablo Picassos Gemälde mit dem Titel " Mädchen mit Mandoline (1910), der die Struktur eines Puzzles hat, das noch nicht bewaffnet wurde.

Mädchen mit Mandolina, von Picasso

Das Interessante an dieser Arbeit ist, dass einige Teile des Körpers der Frau im Profil sind, während die anderen vor sich stehen. Wie man es versteht? Die Idee ist, jedes Stück getrennt zu beobachten und es dann als Gesamtheit zu organisieren.

Es wird behauptet, dass die kubistische Bewegung auf einer mentalen Übung beruhte, da die Maler die Objekte nicht so porträtierten, wie sie waren oder wie sie aussahen, sondern wie sie sich vorgestellt hatten. Daher war der Kubismus eine Manifestation, die die Entwicklung moderner Ideen schätzte.

Der Begriff Kubismus Es wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts von Louis Vauxcelles geschaffen, um die Gemälde zu nennen, die er als minderwertig angesehen hat, weil er sagte, dass die Künstler, die dieser Bewegung angehörten.

Diese künstlerische Manifestation war jedoch für Futurismus, Surrealismus und andere abstrakte Techniken von wesentlicher Bedeutung.

Initiatoren des Kubismus

Der Kubismus wurde mit dem Zweck geboren, dass Maler die Natur beim Schaffen ihrer Werke nicht nachahmten. Damit diese künstlerische Bewegung geboren werden soll, war der Einfluss der afrikanischen Skulptur, der technologischen Entwicklung und des wissenschaftlichen Denkens wichtig.

Zum Beispiel: Dank der afrikanischen Skulptur stellten Maler fest, dass das Konzept der künstlerischen Schönheit geändert werden konnte: Die Werke mussten nicht perfekt sein, um eine Nachricht zu übertragen.

Auf der anderen Seite ließ die technologische Entwicklung - insbesondere die Erfindung der Kamera - Künstler verstehen, dass sich die Welt verändert hat, da die Fotos die Porträts ersetzten.

Wissenschaftliches Denken - insbesondere das, was Albert Einstein - für die Autoren von grundlegender Bedeutung war zu verstehen, dass Menschen die Farben, Bewegungen und Formen auf unterschiedliche Weise wahrnahmen.

Nach diesen Aspekten beschlossen Pablo Picasso und George Braque, einige Werke zu entwerfen, die zur neuen Realität passen werden.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso in seiner Jugend

Er ist einer der bekanntesten Maler der Welt. Er wurde in Malaga geboren, einer Stadt in Spanien. Er zog nach Madrid, um an der Royal Academy of Fine Arts in San Fernando zu studieren. Aber im Jahr 1900 zog er nach Paris, wo er sein Studium fortsetzte.

Zuerst waren seine künstlerischen Werke klassisch, aber 1906 begann er sein Gemälde auszuarbeiten Die Avignon -Damen, welche - nach der Meinung der Kritiker - den Kubismus gegründet hat. Dieses Gemälde wurde 1907 ausgestellt und besteht aus 5 nackten Frauen: 4 stehen stehen und 1 sitzt.

Die Damen von Avignon von Pablo Picasso. Seine Gesichter sind von afrikanischen Masken inspiriert

Anscheinend haben 3 Damen ein entstelltes Gesicht; Wenn sie jedoch im Detail beobachtet werden, werden sie wahrgenommen, dass sie afrikanische Masken tragen. Diese Arbeit fällt auf, auf den ersten Blick flach zu sein. Winkellinien geben jedoch Tiefe.

Die kubistischen Werke von Picasso zeichnen sich durch neutrale Farben aus, die schwarze, weiße, weiße und braune hervorgehobene Ausfälle. Aber er benutzte auch dunkelblau und rot.

Sein Zweck war es, auf eine andere Art und Weise zu repräsentieren als die Wesen oder Elemente, die sie in der traditionellen Kunst weit verbreitet waren, und konzentrierte sich darauf, Frauen und Leben zu malen.

Braque Georges (1882-1963)

Braque Georges

Dieser Künstler war einer von Pablo Picassos Hauptanhängern. Er schloss sich ihm sogar an, um kubistisches Mal zu entwickeln. Er wurde in Le Havre, einer Stadt in Frankreich, geboren. Sein künstlerisches Leben begann im Workshop seines Vaters, in dem er sich mit Primärfarben und Verbindungen verwandte. 1889 zog er nach Paris, um an der Humbert Academy und an der School of Fine Arts zu studieren.

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Im Gegensatz zu Picasso sind Braque kubistische Gemälde durch sehr farbenfroh gekennzeichnet, da es gelb, grün und dunkelrot verwendet wurde. Sein Ziel war es, den Werken durch die Farbe Tiefe zu verleihen, so dass es die hellen Töne mit den Neutralen kontrastierte. Ihre Kreationen sind schwer zu interpretieren, weil die Linien nicht präzise sind oder einige über andere sind.

Georges Braque Schmerz

Die Beobachtung einer Braquefarbe ist wie eine Schulplakatscheibe zu sehen, auf der zahlreiche Papiere ohne Bestellung platziert wurden. Für diesen Maler war es wichtig, dass der Betrachter die kubistischen Arbeiten durch Vorstellungskraft organisiert.

Während seiner gesamten Karriere malte er verwelkte Landschaften, Musikinstrumente und einfache Gegenstände wie Pfeifen, Brille, Flaschen und Obstbäume. Ein weiterer grundlegender Aspekt seiner Gemälde war, dass er die Briefe einbezog; Das heißt, einige seiner Stücke zeigen eine schriftliche Nachricht.

Eigenschaften des Kubismus

Sie erlebten mit den Figuren und Objekten

Die Kubisten erkundeten offene Formen, bohrten Figuren und Objekte, ließen den Raum durch sie fließen, mischten den Hintergrund im Vordergrund und zeigen Objekte aus mehreren Winkeln.

Einige Historiker haben argumentiert, dass diese Innovationen eine Antwort auf die sich verändernden Erfahrungen von Raum, Bewegung und Zeit in der modernen Welt darstellen. Diese erste Phase der Bewegung wurde als analytischer Kubismus bezeichnet.

Aufgabe von Perspektive und Realismus

Die Künstler gaben die Perspektive auf, die verwendet worden war, um den Raum aus der Renaissance darzustellen, und bewegten sich auch von der realistischen Modellierung der Figuren.

Natur von Vorstellungskraft

Kubisten versuchten, die Natur zu malen, wie sie sich vorstellten und nicht, wie sie sie täglich sahen. Deshalb ist es zu schätzen, dass jeder Künstler die Landschaft unterschiedlich porträtierte.

Alle dachten jedoch, dass die Welt durch geometrische Figuren gebildet wurde, daher haben sie Zylinder, Würfel, Kreise und Dreiecke verwendet, um ihre Zeichnungen zu erstellen.

Suche nach verschiedenen Ansichten

Die Maler wollten, dass ihre Arbeiten mehrere Standpunkte haben. Daher wird beobachtet, dass die Charaktere oder Objekte einiger Gemälde in verschiedenen Positionen gefunden werden.

Zum Beispiel konnten sie mit seinem Gesicht einen Mann mit vorne auf dem Rücken malen, während sein Mund und seine Augen Profil waren. Um diesen Effekt zu erzeugen, machten sie ihre Bilder, als wären sie a Collage.

Juan Gris Painting, die die Collage -Technik verwendet

Inhalt wird dem Inhalt gegeben

Sie gaben dem Inhalt der Arbeit mehr Bedeutung. Das heißt, für kubistische Künstler war das Wichtigste nicht das, was sie gezeichnet haben, sondern das, was das Gemälde übertragen hat.

Alltagsszenen

Sie machten sich keine Sorgen um die Darstellung der Themen, die als wichtig angesehen wurden, wie religiös und politisch, sondern konzentrierten sich darauf, alltägliche Szenen wie eine Gitarre oder eine Vase mit Blumen zu malen. Das Ende war, dass die Zuschauer emotional mit den Bildern verbunden waren, die sie sahen.

Kubistische Techniken

Lichteffekt

Die Kubisten machten sich keine Sorgen um die Verwendung der klaren Technik, die von den Autoren der Renaissance weit verbreitet war, um ein Element oder Charakter ihrer Werke hervorzuheben. Was die kubistischen Maler verwendeten, war die Wirkung von Licht, die sie erzeugt haben, als sie die braunen und gelben Farben verbanden.

Figur und kleiner farbenfroher Hintergrund

Zuerst wurde in den kubistischen Gemälden die dritte Dimension beseitigt. Das heißt, die Künstler konzentrierten sich nicht auf die Schaffung von Tiefe, daher waren die Gemälde früher eine Ebene; Zusammenfassend wurden nur die Figur und ein wenig farbenfroher Hintergrund dargestellt.

Im Laufe der Zeit begannen die Autoren jedoch, gekrümmte Linien und zusammengesetzte Farben zu verwenden (dh diejenigen, die aus den Primärfarben gebildet werden), die den Gemälden eine gewisse Dicke verleihen.

Stadien des Kubismus

Der Kubismus sollte die zuvor durchgeführten künstlerischen Werke brechen, insbesondere diejenigen, die die Autoren der neoklassischen Bewegung gemacht hatten, deren Gemälde auffiel, weil es sich um eine Kopie der Natur und ihrer Schönheit handelte.

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Auf diese Weise entschlossen Pablo Picasso, einer künstlerischen Manifestation nicht zu folgen, die realistisch war, und sich nicht nur auf das Studium konzentriert.

Cézanne verwendete nicht die dritte Dimensionstechnik, und die Figuren, die in ihren Werken auffiel, waren die Kugeln. Beeinflusst von diesen Ideen der Repräsentation entwickelte Picasso den Kubismus, der drei Phasen verstand:

Primitiver Kubismus (1907-1909)

Viele Autoren sagen, dass diese primitive Zeit nicht in die Stadien des Kubismus einbezogen werden kann, da es nur ein Moment des Experimentierens war. In dieser Phase definierten die Maler jedoch die Eigenschaften, die ihre Gemälde identifizieren würden, einschließlich der folgenden:

• Es wurde beschlossen, nur Schwarz -Weiß -Farben zu verwenden. Wenn Sie andere Töne verwenden wollten, dann waren Grau und Braun gültig.
• Es war vorzuziehen, Objekte und Menschen anstelle von Landschaften zu malen.
• Es war nicht notwendig, dass die Gemälde Dicke oder Tiefe hatten.

Analytischer Kubismus (1910-1912)

Auch hermetischen Kubismus genannt, da es sehr schwierig war, das Bild und die Reihenfolge der Malerei zu verstehen.

Diese Phase war wichtig, weil sich die Künstler darauf konzentrierten, die Fakten des täglichen Lebens zu analysieren, um sie nachzubilden. Das heißt, sie beobachteten eine bestimmte Szene, sie stellten sie sich fragmentiert und bemalt sie so.

Daher ähneln die Gemälde, die während des analytischen Kubismus ausgearbeitet wurden. Als nächstes werden die Aspekte, die während dieser Zeit hervorgehoben werden, erwähnt:

• Die Künstler suchten nicht, dass ihre Gemälde einen einzigartigen Sinn hatten.
• Die Verwendung von gekrümmten Linien war immer häufiger, ein Element, das der Arbeit etwas Tiefe verleiht.
• Die gelben, grünen und blauen Töne kontrastierten sie mit neutralen Farben.
• In den Gemälden begannen die Landschaften eingeschlossen zu werden.

Synthetischer Kubismus (1913-1914)

Diese Phase wurde auch zum Reintegrationskubismus ernannt, weil Künstler beim Malen bereits mehr thematische Freiheit hatten. Der wichtigste Autor dieser Demonstration war George Braque, der die Technik der erfand Collage oder Patch.

Um den Gemälden Textur zu verleihen und den Wert der Dekoration zu erhöhen, hat Braque, das sich dem Schneiden von Papierstücken und der Farbe in den Arbeiten widmet, gewidmet. Dieses Ereignis führte dazu, dass die kubistischen Porträts einen größeren Einfluss auf die Zuschauer haben.

Von diesem Moment an verwendeten die Künstler nicht nur Öl- und Acrylgemälde, um ihre Gemälde durchzuführen, sondern auch Materialien wie Stoff, Sand und Glas.

Vertreter und ihre Werke

Der Kubismus war eine Manifestation, die einige Jahre dauerte; Sein Einfluss war jedoch grundlegend für neue künstlerische Ausdrücke, die geboren wurden. Aus diesem Grund wird behauptet, dass die von Picasso und Braque initiierte Bewegung nicht nur die Kunstgeschichte verändert hat, sondern auch gezeigt hat, dass es unterschiedliche Techniken gibt, um zu malen.

Aber Braque und Picasso waren nicht die einzigen Vertreter des Kubismus, Juan Gris und Fernand Léger hervorgehoben:

José Victoriano González Pérez (1887-1927)

Er war besser als Juan Gris bekannt und war ein in Madrid geborener Maler. Von 1904 bis 1906 studierte er an der School of Arts and Manufactures und absolvierte Kurse im Workshop von José Moreno Carbonero.

Er zog 1906 nach Paris, da er vor dem spanischen Militär und der Regierung floh. In dieser Stadt bekam er im selben Gebäude, in dem Picasso und Braque lebten.

1910 machte er seine ersten kubistischen Gemälde, die nicht gut aufgenommen wurden, weil sie Tiefe hatten. Ab 1911 fiel seine Werke aus, weil sie farbenfroh und flach waren. Dank dieses Malers wurde der Cartoon -Effekt in den Gemälden enthalten, auch die Porträts breiter und länger sein.

Ein Beispiel ist seine Arbeit Harlequin mit Gitarre (1919), wo die längliche Figur eines Mannes, der den Körper vor sich hat, aber nach links schaut. Das Gemälde besteht aus Rechtecken, Dreiecken und einigen welligen Linien, die das Gefühl der Bewegung verleihen: als würde der Charakter das Musikinstrument spielen.

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Farben

Juan Gris verbesserte nicht nur den Stil der kubistischen Gemälde, er erstellte auch seine eigene Technik von Collage wo er sich periodischer Papier mit Karton anschloss. Zu seinen wichtigsten Gemälden gehören:

- Porträt von Pablo Picasso (1912).

Porträt von Pablo Picasso, dargestellt von Juan Gris, 1912

- Geigen- und Schachbrett (1913).

- Bodegón mit Blind (1914).

Bodegón mit Persiana (1914) von Juan Gris. Über Wikimedia Commons.

- Amadeo Modigliani (1915).

Amadeo Modigliani (1915)

Fernand Léger (1881-1955)

Fernand Léger

Er wurde in Argente, Provinz in Frankreich, geboren. 1900 zog er nach Paris, wo er Architekturassistent war, und studierte an der Acade weg Julián. Er bewunderte Paul Cézanne und konzentrierte sich seit 1907 darauf, seine Werke zu studieren.

Seine ersten kubistischen Gemälde malten sie 1908; Obwohl es notwendig ist zu erwähnen, dass sein Stil nicht so entwickelt war wie der von Juan Gris. Trotzdem stach es durch die Art und Weise auf, wie er die Grundfarben verwendete, mit denen er die Schatten der zylindrischen Figuren hervorhob und seinen Gemälden Textur verleiht.

Ein weiteres wichtiges Merkmal von Légers Werken war, dass er keine Menschen porträtierte, sondern Roboter und Maschinen zeichnete, die der Menschheit konsumiert wurden. Auf diese Weise sieht es in Ihrem Gemälde aus Nackt im Wald (1909), wo eine Ablagerung beobachtet wird, die mit Metallobjekten gefüllt ist; Die geometrischen Figuren, die sich in der Arbeit hervorheben, sind der Kegel und der Zylinder.

In diesem Gemälde gibt es keinen leeren Raum; Es ist, als hätte der Maler gemeint, dass der Mensch durch Technologie ersetzt wurde.

Farben

Das Ziel von Fernand Léger war es, den Beginn einer neuen Welt zu malen, also verwendete er Bronze- und Graustöne, da sie die Farben der Maschinen waren. Einige seiner wichtigsten Werke sind:

- Die Eisenbahnkreuzung (1919).

Fernand Léger Wandbild. Quelle :: Dennis Jarvis de Halifax, Kanada, CC BY-SA 2.0, über Wikimedia Commons

- Frau mit einer Katze (1921).

- Drei Frauen (1921).

Tolle Parade mit rotem Hintergrund, Fernand Léger. Quelle: Donaldytong, CC BY-SA 3.0, über Wikimedia Commons

- La Gioconda mit den Schlüssel (1930).

Fernand Légers Showcar, das sich derzeit an der Central University of Venezuela befindet

Louis Marcaussis (1878-1941)

Ludwik Kazimierz Wladyslaw Markus, der wirklich genannt wurde, wurde in Polen geboren, zog aber bald nach Paris. Nach dem Studium des Gesetzes zeigte er Interesse am Malerei, indem er in die Julian Academy eintrat. 1905 präsentierte er sich zum ersten Mal und war der Beginn einer ziemlich bemerkenswerten Karriere. 

Er hatte das Glück, Künstler wie Braque, Degas oder Pablo Picasso kennenzulernen, was die Experimente mit Kubismus beeinflusste. Während dieser Zeit präsentierte er in mehreren Ausstellungen Werke des Stilllebens, Landschaften der Bretonküste oder Ansichten von Paris.

Neben dem Kubismus entwickelte er auch bis zu seinem Tod im Jahr 1941 Gravur-, Illustrations- oder Impressionismus -Techniken.

Farben

- Le Bar du Port (1913).

Le Bar du Port (1913)

- Violon, Marc et Cartes Bouteilles (1919).

Violon, Bouteilles von Marc et Cartes (1919)

- Figuren an einem Strand (1930).

- Der Musiker (1914).

Der Musiker (1914). Louis Marcoussis

Albert Gleis (1881-1953)

Albert gleziert

Parisino von Geburt. Nach einer Bühne in der Armee begann er als Malerlehrling in der Werkstatt seines Vaters, in dem die Landschaften seine ersten Werke waren.

Obwohl sein ursprünglicher Stil impressionistisch war, begann er sich für die Künstler des Viertels von Montparnasse zu interessieren, und interessierte sich für Kubismus, eine Bewegung, mit der er während seines künstlerischen Lebens besser miteinander verbunden war.

Er trat der Puteaux -Gruppe bei und war immer eng mit anderen Genies wie Marcel Duchamp, Jean Metzinger oder Jacques Villon verbunden.

Farben

- Kubistische Landschaft (1914).

Kubistische Landschaft, 1914

- Porträt von Jacques Nayral (1911).

Porträt von Jacques Nayral, 1911

- Figur Kubiste (1921).

- Nackt sitzen (1909).

Diego Rivera (1886-1957)

Diego Rivera

Obwohl er besser für seine Wandgemälde bekannt war, hatte dieser prominente mexikanische Maler auch eine brillante kubistische Bühne. Der Grund war, dass diese Bewegung ihn in ihrem stärksten Moment in Paris erfasste.

Obwohl es viele kubistische Werke von Rivera gibt, glauben Gelehrte, dass sie sich nicht besonders stolz auf sie fühlten und versuchten, sie geheim zu halten. Später erlebte er weiterhin mit anderen Avant -Gart -Techniken wie dem Post -Impressionismus.

Farben

- Porträt von Ramón Gómez de la Serna (1915).

Porträt von Ramón Gómez de la Serna, 1915

- Die Frau des Pozo (1913).

- Porträt von zwei Frauen (1914).

Porträt von zwei Frauen, 1914

- Mutterschaft, Angelina und El Niño Diego(1916).

Mutterschaft, Angelina und El Niño Diego, 1916