Römische Malerei, Eigenschaften, Themen, Werke, Autoren

Der Römische Gemälde Es ist die künstlerische und bildliche Manifestation, die von der römischen Kultur während der klassischen Antike entwickelt wurde. Im Allgemeinen wurde es an den Wänden der Häuser der reichsten Familien durchgeführt, so dass es durch frische Farbe gekennzeichnet war. Es gibt jedoch auch Lackierungen auf dem Tisch.

Eines der Eigenschaften der römischen Kunst ist, dass sie gleichzeitig mit der etruskischen Kunst begann und die der kleinen griechischen Kolonien, deren Kultur direkt inspiriert war-. Aus diesem Grund finden Sie bildliche Elemente der verschiedenen mediterranen Kulturen in den römischen Gebieten.

Römische Malerei ist die künstlerische und bildliche Manifestation, die von der römischen Kultur während der klassischen Antike entwickelt wurde

Hauptsächlich frische Farbe zu sagen, Wandfarbe-so viele römische Bildausdrücke wurden nicht erhalten. Tatsächlich sind die gefundenen Überreste sehr klein und bestehen hauptsächlich aus den Strukturen, die während der Ausgrabungen von Pompeji und Herculano gefunden wurden.

Die römische Malerei verwendete jedoch kleinere Techniken, wie die Dekoration der Schiffe und die Miniatur über Pergament.

Im Gegenzug machten die Römer auch Mosaiken, obwohl diese hauptsächlich auf den Böden verwendet wurden. Dieser Umstand änderte sich während der byzantinischen Ära, in der eine Wiederentdeckung der Mosaiken als künstlerischer Ausdruck auftrat.

Die römische Malerei konzentrierte sich auf religiöse, mystische und historische Elemente; Dies mit dem Ziel, ihre Überzeugungen und Erfahrungen zu registrieren, damit sie die Zeit ertragen und sie von Generation zu Generation übertragen.

Die Römer schätzten jedoch auch notorisch den dekorativen Charakter der Kunst und suchten die Symmetrie und Harmonie von Formen. Dieser Glaube wurde von den Griechen genommen, die sie in fast allen Aspekten des Lebens imitierten.

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Ursprünge

Wie in früheren Absätzen erwähnt, entstand die römische Kunst aus dem Einfluss der etruskischen und griechischen Kunst, zu der sich die Römer näherten, als sie die Kolonien in Magna Griechenland kannten.

Ebenso nahm der griechische Einfluss im zweiten Jahrhundert auf. C., Nachdem die Römer in Mazedonien und Griechenland eingedrungen waren, um die Territorialunion der Halbinsel zu erhöhen.

Trotz der bemerkenswerten Nachahmungen der Römer kann nicht bestätigt werden, dass ihre gesamte künstlerische Produktion aus dem Kopieren bestand, da sich die Erkenntnistheorie der Regenten auf der Halbinsel sehr vom Denken der Griechen unterscheidet.

Zum Beispiel hatten römische Manifestationen eine städtische und kriegerische Neigung, die sich mit dem ästhetischen Gefühl der eroberten Völker vereint hat. Mit anderen Worten, obwohl die Römer den raffinierten Geschmack anderer Kulturen erwarben, war ihr künstlerisches Interesse viel praktischer und mit starken militärischen Neigungen.

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Ebenso hatte die römische Kunst keine bemerkenswerten Entwicklungen (im Gegensatz zu griechischen Kunst, die in drei Hauptperioden unterteilt war, dieses archaische, klassische und hellenistische Wesen). Stattdessen waren seine künstlerischen Manifestationen ziemlich einheitlich; Dies als Folge des starken Zentralismus, den das Reich während seines Höhepunkts ausübte.

Die Autoren konnten jedoch vier Stufen oder Stile in den römischen Bildausdrücken festlegen:

Inkrebationsstil (erste Periode)

Diese Phase hat ihre Einflüsse aus der hellenistischen Zeit und kann im zweiten Jahrhundert chronologisch lokalisiert werden. C. Seine Ästhetik basiert auf der Dekoration von Marmorwänden, wo das Bildobjekt in drei horizontale Bänder unterteilt war.

Die untere Band arbeitete wie eine Steckdose, während die mittlere Band wiederum in anderen farbenfrohen Schichten zusammenbrach. Schließlich bestand die obere Bande aus einem weißen Fries, der die gesamte Darstellung abgeschlossen hat.

Diese Gemälde können nur in den Ruinen von Pompeya sichtbar gemacht werden, wo sie besser erhalten bleiben könnten.

Architekturstil (zweite Periode)

Diese Bildzeit entstand im 1. Jahrhundert. C. und erweiterte bis zum Beginn des Römischen Reiches. Es wurde "architektonischer Stil" bezeichnet, da die Künstler ein Interesse daran hatten, die Mauern zu öffnen, um einen bestimmten Begriff der Perspektive aufzubauen, was dem Betrachter ein einfaches Gefühl der Tiefe bietet.

Um diesen Effekt zu erzielen, stellten Maler einige vor bemalten Architekturen, Das heißt. Aus diesen Exemplaren wurden einige Fresken in Rom und Pompeji konserviert.

Zierstil (dritte Periode)

Dieser Stil fiel mit dem architektonischen Stil zusammen, seit er sich im 1. Jahrhundert entwickelt hat. C. In dieser Phase wurden architektonische Effekte beseitigt und den Gemälden mit Landschaften und Zahlen mehr Relevanz gewährt.

Daher wurde die Sorge um die Perspektive verringert und die Anzahl der dekorativen Elemente erhöht. Der Zierstil wurde nicht mehr mit Neros Ankunft zur Kraft praktiziert.

Architekture Illusion (vierte Periode)

Es ist Mitte des 1. Jahrhunderts. C. Und es funktionierte als Synthese der anderen früheren Stile. Daher dominierte er in der vierten Phase eine fantastische Landschaft, in der imaginäre oder mystische Motive mit architektonischen Räumen gemischt wurden.

Einige Autoren behaupten, dass es sich um ein konzeptionelles Barock-Barock handelte, obwohl der Begriff anachronistisch ist, da es durch die Räume suchte. Die Erleichterung dieser Gemälde wurde durch die Verwendung von Stuck erreicht.

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Diese Exemplare konnten sowohl in Rom als auch in Pompeji aufbewahrt werden und haben einen gewissen Einfluss der ägyptischen Kunst beibehalten.

Eigenschaften der römischen Malerei

- Römische Maler konzentrierten sich darauf, mystische und historische Themen sowie natürliche Landschaften und Elemente darzustellen.

- Aufgrund des Einflusses der griechischen und ägyptischen Kunst behielt die römische Malerei einige Hieratismus in ihren Figuren bei. Das heißt, Starrheit und Unbeweglichkeit. Darüber hinaus betonte die Vereinigung mit den architektonischen Elementen den skulpturalen und bewegungslosen Charakter der Figuren.

- Die am häufigsten verwendeten Farben waren rot und schwarz. Sie benutzten jedoch auch etwas Grün. Es ist wichtig hinzuzufügen, dass römische Maler keine Farben mischen, also waren Töne ziemlich puristisch.

- Die Gemälde wurden an den Fresko gemacht, was ihre Erhaltung im Laufe der Zeit verletzt hat. Darüber hinaus fehlt den meisten Arbeiten die Urheberschaft.

Themen, die diskutiert werden

Die zentralen Themen römischer Gemälde waren Religion und Geschichte. Daher bestanden ihre Darstellungen aus Ereignissen der römischen Mythologie und wichtigen historischen, Kriegs- und politischen Ereignissen.

Während der Ausgrabungen, die in den Ruinen von Pompeji und Herculano durchgeführt wurden, fanden Archäologen interessante Gemälde, die erotische Szenen darstellten. Diese Bilder wurden verwendet, um die Badezimmer der Stadt zu dekorieren, und diente als Hinweis auf Forscher, um die sexuellen Bräuche der Zeit zu kennen.

Ebenso wurden die gefundenen Schiffe mit Handlungen des Alltags dekoriert, was es den Forschern ermöglicht hat, einen bemerkenswerten Ansatz für die soziale Organisation dieser alten Zivilisation zu treffen. Zum Beispiel wurden manchmal Festlichkeiten und Hochzeiten als einige Geschäfte wie Schreiben oder Kabinen vertreten.

Die gefundenen Gefäße wurden mit Handlungen des Alltags dekoriert

Hervorragende Werke und Autoren

Wie in früheren Absätzen erwähnt, fehlt den meisten römischen Gemälden die Urheberschaft. Dies könnte aufgrund des Problems der Maler geschehen, wenn sie ihre Stücke bewahren, die den Wert von der künstlerischen Arbeit abziehen.

Aus dem gleichen Grund schätzten die Römer die Skulpturen mehr, da sie im Laufe der Zeit dauerhafter waren und mehr Anstrengungen benötigten.

Obwohl der Name der Autoren unbekannt ist, haben Archäologen und Forscher es geschafft, die folgenden Werke zu retten:

Aldobrandin Hochzeiten

Römische frische Aldobrandine Hochzeiten

Es ist ein Fresko -Gemälde, das wahrscheinlich während der Zeit von Augustus erstellt wurde, und gilt als die wichtigste künstlerische Kopie von Pompeys Ausgrabungen. Es wurde 1606 in der Nähe von Mount Esquilino gefunden, zuvor die Gärten der Stimmlinge.

In der Arbeit sehen Sie einen Triptychon, der durch zwei Spalten geteilt wird und in denen zehn Zeichen erscheinen. In der Mitte des Gemäldes befindet sich die Braut, die den typischen Hochzeitsschleier trägt. Neben ihr begleitet ihr eine Frau mit ihrer nackten Brust, die angeblich die Personifikation der Göttin Aphrodite sein konnte.

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Auf der linken Seite gibt es eine junge Frau, die duftende Öle mischt, die verwendet wird, um den Körper der Braut zu verbreiten. Auf der rechten Seite sitzt der Freund auf einer Plattform, begleitet von drei jungen Menschen, die Opfergaben machen und singen.

Das Gemälde wurde vom kadernischen Aldobrandini erworben, der dem Werk den Spitznamen gewährte. Anschließend wurde es 1812 von Banker Vicente Nielli gekauft, der es dann den Vatikanischen Museen gab.

Paris beurteilt die drei Göttinnen

In diesem frischen Gemälde wird die mythologische Geschichte von Paris und die drei Göttinnen dargestellt. In dieser Geschichte wird gesagt, dass die Göttin Eris-Persönlichkeit von Discord einen goldenen Apfel bei der Hochzeit von Peleo mit dem Ausdruck „für das Schönste“ leistet.

Die Göttinnen Hera, Aphrodite und Athena beginnen für den Apfel zu spielen. Um den Konflikt zu beenden, beschließt Zeus, einen Richter zu wählen, um zu entscheiden, welche der drei der Manaza entspricht. Dafür wurde es ausgewählt, Paris, der der Prinz von Troy war.

Die drei Göttinnen versuchen, den Prinzen mit unterschiedlichen Geschenken zu kaufen, aber Paris am Ende wählt Aphrodite, die Helenas Liebe, die schönste Frau der Welt, versprochen hatte. Helena war jedoch mit König Menelao verheiratet, was schließlich die Rache des Königs auslöst und zum berühmten Trojanischen Krieg führt.

Es ist eine einfache und hieratische Darstellung, bei der Paris in einem Felsen sitzt und die drei Göttinnen beobachtet: Aphrodite Blätter nackt, während Athena ihre Waffe und ihr Schild mit sich trägt; Hera behält die typischen Frauen bei.

 Verweise

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